「Snow Pallet 16で澁俊彦は雪を予想外の形と鮮やかな色の饗宴に変えます」

日本人アーティスト、澁谷俊彦による彫刻の物語「スノーパレット」は、今年で16章を迎えました。
そして、彼はそれを大規模ではないサイトスペシフィックなインストールで行いましたが、有名な場所に配置しました。
現代美術研究所、CAI 03 の入り口。いつものように (ほとんど)、日本の最北端にある北海道の島、札幌にあります。雪がふんだんに降る場所。「Snow Pallet 16」は通常のスクリプトに従います。
アーティストは、降る雪が落ち着く場所に、金属製のテーブルに似た支持体を配置します。白いブランケットが落ち着いてできあがる形は、天候によって、時間の経過によって (ある瞬間から次の瞬間まで)、1 日の時間によって、時間の経過によって、絶えず変化します。
季節。儚い美しさのモニュメント。この継続的な変化と冬の降雪によって認識できなくなった素晴らしい北欧の風景を強調するために、彼はインスタレーションの要素を蛍光色でペイントします。雪と金属自体の両方にさまざまなニュアンスを投影します。
通常、アーティストは支持体天板の下部に色を割り当てますが、「Snow Pallet 16」では占有された地面へのインスタレーションの影響を最大化するために、上部を使用しました。その効果は、選択されたビビッドでインフォーマルなトーンにより、演劇的であると同時に非公式であり、独自の方法で人工的に選択され、製造プロセスと日本の都市景観にリンクされていますが、キャンディー、アイスキャンディー、ソフトドリンクの効果に似ています。
この点について、アーティスト自身が次のようにコメントしています。
「鮮やかなピンク、イエロー、オレンジ、ブルーを表示します。そのため、オブジェクト上の雪は、時々砕いた氷のように見えます。」

「Snow Pallet 16」の場合、澁谷は天板が厚くて狭く高い支持体 (1.8 ～ 2.2 メートル) を新たに試みました。
このようにして、予期せぬ壊れやすい形の森の誕生を調整します。状態の変化（固体から液体へ、またはその逆）を色に引き継ぐ準備ができています。
「昨年の冬、札幌では大雪が降ったと彼は説明しました。このために、私は高い要素を選択しました。昨シーズンのように雪が積もっても、雪で埋没ないように形作られています。冬の間、気温がプラスに上昇するケースがあります。したがって、観客がオブジェクト上の色付きの雪塊の光景を自由に楽しむことができるのです。
本質的で活気に満ちた澁谷俊彦の作品には厳しいルールがあります。まず第一に自然の詩的で儚い魂が常に作品を支配しなければなりません。
一方、芸術家は謙虚に、創造の予測不可能な美しさに、時には一瞬のように見える革命を時間ごとに課さなければなりません。それが完全な素晴らしさで現れるまで。
澁谷が2011年から毎年同じ時期に粘り強く上演してきた「Snow Pallet」シリーズは、まさにその信念を体現している。「Snow Pallet」はデザインと密接に関連しており（アーティストが配置する支持体は本質的な直線性のため）、建築とも関係があります（都市部の緑地にどのように適合するか、使用される素材と色の両方）。 哲学、詩、エコロジーと同様に。そして記憶。

「私は自然と共鳴するアート作品を作るよう努めています。私のランドアートは、北海道の北方気候の特徴であり、その豪雪地帯を象徴しています。自然の中でのアートはすべて天気に関するものですが、私はそれが本来あるべき姿だと思います。大自然を手なずけるために私たちができることは何もありません. 私は自然をコントロールするのではなく、自然に寄り添い、賢く使うことを目指しています。冬のランドアート「スノーパレット」は、主に札幌の大都市に設置されました。毎年冬になると雪が 6 メートルほど積もります。私のアートはサイトスペシフィックでもあり、『冬の思い出』を伝えるものでもあります。」

アーティストによるこの最後の声明は、彫刻シリーズを親密で深く個人的な次元に届けるため、特に興味深いものです。
その循環的な繰り返しを抽象空間に置くかのように。 心理的。 あたかもすべての観客が彫刻グループを毎年見ているかのように、彼らの記憶を使用して、自然と以前の版の大気のエージェントを通じて失われた記憶を呼び起こし、同時に集合的な記憶を生かし続けることができます。
作品が設置されている期間中の風景の変化を理解するために必要なドキュメンテーションに関係する側面。そして、それは時間の経過とともに、変化の証人になります。
アートブロガー、ナターシャ・バルバリエ（イタリア）

「数千のピンと苔が織りなす澁谷俊彦の静寂の森」
澁谷は流木をそのまま持ってきました。 彼はそれらをカットしたり形を整えたりしませんでした。 また、2020年に作家の手入れによって生まれた作品の苔は、乾燥後に再生することなく枯死しました。
今回、主題を変更することなく、触覚的な勧誘、マイクロモチーフ、予測不可能な形状に満ちた彫刻ベースを作成します。風景の魔法を復元するために、作品のテクスチャにモノクロームで下線を引き、それぞれに何百ものピンを適用することに加えて、作品を変更しないことを決定したアーティストは、空間内の要素の分布に集中しました。
作品はすべて札幌現代美術ギャラリーCAI03/CAI現代美術研究所で、2月18日に閉幕した展覧会「沈黙の森」で展示されたものです。 そしてそれらは、ギャラリーの人工照明と無味乾燥で合理的な建築に対処しなければなりませんでした。 雪に覆われた森のイメージを復元するには難しいシナリオです。 それでも、時にはシンプルな台座に置かれたり、地面に直接置かれたりして、彫刻は絶妙に配置されていました。
少なくとも部分的には、芸術家がドラマチックでありながら包み込むように研究した照明の効果. ミステリー（発見の感覚を与える）とタイムレス（視聴者が危険に遭遇することなく歩く）のバランスがそこにはありました。時々、作品は異なる図像コードを呼び起こします。
その全体像は、自然と共生して人々が移動する森を連想させます。 一般的な感覚は、内なる平和の感覚です。 芸術的言語 風景といった。しかし、視線が個々の作品にとどまり、視点が変化するにつれて、異なる連想が生じます。台座に置かれた白く塗られてた折れた幹は、たくさんの装飾が施された石碑に変わります。原始的なアルファベットのイメージが浮かび上がります。 枝が本物の彫刻になります。
まさに、作家の詩学の中心にあるのは、循環する季節の時間に映し出されるダイナミックな自然の美しさです。 生と死と再生の循環する歌と共に。「沈黙の森」で別の大作「ホワイト・リボーン」が象徴的な空間にあったのは偶然ではありません。すでにアーティストが森の中に直接インスタレーションの対象としていた倒木（枝または幹の一部）。 彫刻は、リラックスしたポーズで横たわり、展覧会の文脈は際立っていました。（原文より抜粋）
ナターシャ・バリビエリ/ Natasha Barbieri